這一年我們會以短評的模式推薦一些編輯部認為近期值得花時間聽，或是備受注目的作品，並以港、中、台和國際劃分，每次介紹 5 張專輯或 5 首單曲。出版的時期不定，只要累積到一定數量我們認為可以一談的專輯/單曲便會見街，但肯定要比過去的模式覆蓋更多作品了。當然，要是有作品值得以更長的篇幅去寫的話，也會另文談論。
這一年我們會以短評的模式推薦一些編輯部認為近期值得花時間聽，或是備受注目的作品，並以港、中、台和國際劃分，每次介紹 5 張專輯或 5 首單曲。出版的時期不定，只要累積到一定數量我們認為可以一談的專輯/單曲便會見街，但肯定要比過去的模式覆蓋更多作品了。當然，要是有作品值得以更長的篇幅去寫的話，也會另文談論。
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這是一張「開門見山」的專輯，不轉彎抹角，見山就是山，是個月亮，就是個月亮。它叫《Ultrapop》，就是把「流行」專輯推向最極端，模糊了噪音、重型搖滾與流行曲的界線，讓渾沌與秩序得以並存。
來自美國底特律的 The Armed 一向身份神秘，來到第 4 張專輯他們揭露了成員的名字，甚至 music video 也有全員 8 位成員出動，當然，你仍可以懷疑那不一定就是真正的 The Armed。新專輯更為「實在」的地方是有一些已知的真實樂手參與，譬如 Mark Lanegan 等，這不能假了吧。說新專輯「開門見山」絕非虛言，甫開首的點題作〈Ultrapop〉已道明來意，以樂隊主音兼結他手 Adam Valley 的說法，就是最美麗的東西遇上最醜陋的東西，讓唯美且聽來柔和抒情的人聲演繹，碰上刺激電聲與噪音，短短不夠 3 分鐘已把專輯的概念說得清楚。
然而《Ultrapop》不只是把兩種看似衝突的東西放在一起，當中的作品也處處顛覆我們對這種重型音樂的想像，有許多難以言詞描繪的光澤和色彩在內。樂隊曾在外媒訪問中說，很多重型音樂的創作人太過執著那些 sub-genre 的模式，彷彿偏離一點就不「正宗」了，而這與藝術世界的理念是背道而馳的。就這一點，以嚴肅和執著的心態去看待《Ultrapop》，你會更明白他們想做的究竟是一個怎樣的「實驗」。
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CHAI 算得上是已衝出日本、走向國際的一支樂隊了，曾花長時間在歐美巡演，又在去年底跟 Sub Pop 簽約，目光放得很遠。可喜的是，她們在吸納不同的西方音樂影響之時，仍能給人很日本的感覺，新專輯《WINK》雖是走流行音樂路線（封面照片也和一般 J-Pop 組合無異），但音樂元素豐富、細節處理出色，令人聽得很開心。
作為早已「國際化」的樂隊，面對疫情來襲，也無法搞甚麼巡演、宣傳，只能宅在家創作。而宅在家做甚麼、聽甚麼，影響了新專輯的音樂風格，成員會告訴你她們在看 90 年代的動漫、聽 ZARD 和 Dreams Come True 、追日劇《悠長假期》，因為聽父母提得太多，就趁這個「空閒」的時候了解一下。同時她們又聽很多當代的 R&B、Hip Hop，夾集其原來一點點 Punk 的風格和之前提及過的種種影響，令這些大致上仍可稱為 J-Pop 的作品，變得異常豐富、毫無冷場，加上向來自愛、自得其樂的潛在主題，總是能把微細事寫成快樂事，在這段世人都無比艱難的時刻，實在令人心曠神怡。
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丹麥樂隊 Iceage 的第 5 張大碟《Seek Shelter》，當然可解讀為成員開始年長（大部分是 91 年、92 年出生，踏入三字頭了），於是火氣稍消，不那麼 Punk，都變「悅耳」了。但更大可能是大環境的變化使然，這一兩年，誰也會思考孤獨與人生究竟是甚麼一回事吧？音樂創作的方向會隨之變得不同，亦是理所當然。
新碟找來 Sonic Boom 製作，音樂像昔日的 Classic Rock，也有點像 90 年代的 Britpop（某些作品讓人聯想到 The Verve 和 Primal Scream？），有時候甚至讓人覺得，他們是在把不同的搖滾音樂風格融會貫通，變成屬於自己的東西。不是嗎？樂隊每一張專輯都在不斷注入新的元素，你不會覺得他們為創新而創新，也不像為了取悅樂迷，從首張專輯《New Brigade》至今剛好 10 年，聽他們 5 張大碟的演變和進化本身已是趣味所在。《Seek Shelter》更像是想與樂迷共同呼吸，渡過難關，可以有〈Shelter Song〉那樣的溫暖感覺，又有中間幾首如〈Drink Rain〉那樣，幾乎可以用「清新雋永」來形容的結他流行小品，以及結尾徐疾有致、層次推進分明的〈The Holding Hand〉，通通無論演奏功架抑或情感表達上均愈趨成熟。
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Lost Girls 是 Jenny Hval 和 Håvard Volden 的組合，二人已合作超過 10 年，但《Menneskekollektivet》卻是二人首張以 Lost Girls 名義發表的專輯（此前有過《Feeling》EP）。Jenny Hval 的作品都很概念性、理論化，儘管 Lost Girls 也被主流傳媒歸類到實驗音樂的範疇，卻並不難入耳，甚至你可以視之為一張舞曲專輯，而且節拍、synth 音效與結他音色有種精緻質感，嘗試在即興演奏之中建立結構。而這些聲音包裹著的則是 Jenny Hval 的唸白或歌唱，帶點戲劇性，情感濃郁，有時則像隨心所欲，節奏讓她聯想到甚麼就說甚麼。
點題作〈Menneskekollektivet〉（英文翻譯過來是 Human Collective）就像一部科幻電影的開場，帶聽眾回到盤古初開、世間萬物尚未誕生的時代，叩問「我」、「聲音」與那些 invisible bodies 的關係。這大概也是疫情帶來的胡思亂想，〈Carried by Invisible Bodies〉把 invisible bodies 轉移到病毒傳播的描繪上，鉅細無遺，誰都能獲得共鳴。專輯隨後漸漸由虛轉實，講愛，再談甚麼是真實，然後你慢慢對整個創作有了完整的畫面，碎片化的聲音漸漸堆疊得充滿層次；在 15 分半鐘的〈Love, Lovers〉過後，開首的謎團似乎得到了解答：「我」作為 creator，透過「聲音」，讓那些「invisible bodies」形象化，化為真實。
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Andy Stott 這張新專輯大概會換來兩種意見，有的會認為新意不大，甚至會嫌「流行」了一點，但有的也可能因此覺得特別悅耳。事實上，新專輯又說不上是很重複過去的作風，譬如其合作已久的前鋼琴老師 Alison Skidmore 獻聲的幾首作品，都沒那麼拼貼味濃，更像「歌曲」；與此同時，那些 House / Techno 節拍主導的作品又有更為「重型」的傾向，當然都是小改款，但聽起來也不會有翻炒自己的嫌疑。
甚至因為這些取向，會吸引到對某些類型風格有偏好的樂迷也說不定，像那些飄渺又唯美的女聲，你會以為自己在聽 4AD（80 年代時期）的專輯，開場〈Away Not Gone〉的結他聲亦帶點低調與夢幻，亦可以說是同一血統。尾幾首曲目的 80 年代電子音色，甚有《極速罪駕》（Drive）配樂的味道，也有股懾人的魔力。從創新的角度看《Never the Right Time》難贏喝采聲，但如果風格正中口味，相信仍會令你愛不釋手。
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