無論從任何角度看，Project Keep Pushing 都是一個很青春、很熱血的創作計劃。由《一念無明》導演黃進與本地獨立樂隊 tfvsjs 鼓手 Anton Fung 發起，邀來 8 位新晉導演（也包括黃進自己），為 6 首 tfvsjs 的作品創作音樂錄像。除此以外，每個創作還附帶幕後花絮、教學視頻和縮時攝影片段，相當「大壇」。
以下文字也一樣「大壇」，「不負責任」地請來全數 8 位導演與 Anton Fung 一同接受訪問，時間其實沒有很多，也不可能寫太長，筆者就試試配合主題，Keep Pushing，盡量了解更多創作背後的想法。
Project Keep Pushing 原是 Anton Fung 失意時讓自己振作而萌生的一個構思，他說想給自己一個挑戰，「畀返啲油自己，motivate 自己」，於是找來黃進一同策劃，沒料到件事愈搞愈大，他望望黃進：「但他說一早就預計到。」
貴為金馬最佳新導演，又是獨立樂隊 more reverb 的成員，黃進拍音樂錄像，肯定有不一樣的想法，規模也不比拍電影小。如果大家有在 YouTube 看過這些片段，或者也會驚訝片尾 credits 如此長。譬如《十年》導演之一黃飛鵬所拍攝的 Ep. 1〈滅曲〉，就有大約 40 人參與。
難得地，團隊的 team spirit 十分好，這是二人喜出望外的收穫。「沒想過大家聚得咁埋，最初以為每個導演拍完交片就算，但我們其後也會一同討論、互相幫忙，而不只是拍攝。」譬如一些公關、宣傳方面的策劃，就由黃飛鵬安排，原本只是一兩個人忽發奇想的構思，已變成一個集體 project。
Project Keep Pushing，顧名思義，就是要互相推動，當中也有互相打氣、互相鼓勵的意思，從事創作，總會遇到樽頸位，覺得自己無法突破，但一個有趣的 project，足以讓人重新燃起鬥志，繼續向前。這麼說好像只是為行內人而做，他們又希望觀眾能得到甚麼？黃進表示，最基本就是讓大家看多一點、知多一點，「可能大家識某幾個導演，但不知道香港有 tfvsjs 這隊 indie band，他們可能因此聽多了，甚至會留意其他香港的獨立樂隊；又可能有些人本身已聽開 tfvsjs，但因為這個 project 認識了香港的獨立導演，然後找他們的作品看，這樣已很好。」這也是 push 多少少，忽然有一個途徑讓你的日常圈子、comfort zone 擴闊一點，是多麼美好的事，很值得 keep pushing。
黃進說，也希望藉這個機會，讓大家了解更多一些平時可能忽略了的崗位，譬如 sound mixer、recording engineer 等等，「這絕對不是一件能賺錢、幫補家計的事情，但卻提供了一個平台，讓參與製作的人嘗試一些平時沒有機會試的東西」，當中有些人可能本身是從事另一些崗位的，又或者做一些較 commercial 的東西，沒機會發揮，「你會發現香港好多臥虎藏龍，只是平時他們的職業、生活，把光芒蓋過了。」所以，除了看音樂錄像本身，「Behind the Scenes」部分也很重要，我們能從中得知更多製作上的點滴，這些背後的創意也該獲得掌聲。
對於 8 位導演而言，怎樣拍，是最大的難題。因為這不是一般的 music video，Anton 也說，不知道該怎去形容這個 project：「不是 drum cover，又不是 music video，我會覺得這是一個 visual 與 audio 結合的 artwork。拍 music video 不需要企硬做現場錄音，很多方面令這個 project 已不單單只是 music video，它更像一個 installation。」
Ep. 2〈Shrine of Our Despair〉的導演方曉丹亦提到，由於 tfvsjs 的作品沒有主唱部分，難度就更高。「平時你可以拍『咪嘴』，但這次不能，必須全以影像表達，是另一個挑戰。」於是音樂能帶給他甚麼聯想，他就像炒餸一樣，將之炒埋一碟，如薩滿（Shaman）、儀式、舞蹈等，然後再透過一個場景把這些元素共冶一爐。
黃飛鵬的〈滅曲〉更為精簡，全片的鏡頭都沒有離開套鼓，他選擇以快速的剪接，建構一個令人充滿想像的空間。「可以視之為一個不一樣的 drum cover，但換了不同的場景，透過剪接去做，看看影像上與 drum cover 的撞擊會是怎樣，也想實驗一下當 pacing 很快的時候，需要甚麼新的技巧。」
葉文希構思 Ep. 3〈之 / Between / 間〉時，甚至曾想到分成多個 chapters 呈現，去表達當中不同的情緒，「想有基本故事，但知道 5 分鐘好難，於是好直接諗畫面，很 symbolic」，但他還是先寫了一些對白，不過觀眾最後只會看到刪剩的一句：「城市的繁榮建基於一個人的苦難」，意念取自短篇科哲小說《The Ones Who Walk Away from Omelas》，這也是〈之 / Between / 間〉最基本的故事，每幅畫面也因此而來。
儘管他們都說拍攝上困難重重，但這些挑戰也正是 Project Keep Pushing 最有趣的地方。音樂刺激了影像創作人的思考，葉文希說音樂始終有節奏，結構也比較完整，反之影像就較為浮動，音樂讓他更能梳理眼前的素材。
黃飛鵬說音樂和影像都給他很自由的感覺。「生活不自由，要返工，有物理限制，影像世界卻不同，可滿足更多心靈上的缺失、腦海裡的想法。音樂就更開闊了，影片容易被人歸類為指向某種事情，音樂即使分門別類，感覺還是很闊。」
對於兩者的關係，黃飛鵬認為最重要是不要彼此輔助，「我好怕這樣的關係：用聲音令畫面顯得好感動，又或者因為畫面，才令你覺得音樂很好聽。我覺得兩者即使互相對撞，也有融合得到的可能，音樂很澎湃，畫面也可以很平靜，不一定要很配襯。」
黃飛鵬表示，這個 project 有趣的地方亦正在於此，「大家可以根據自己的經驗處理」，一眾導演也不用理會原曲本來有甚麼意思，「音樂就是有這種闊度、維度，任你去詮釋，我把自己所感受到的展現出來，原意是否這樣並不重要，遊戲不是這樣玩。」
如何詮釋，每個人都有不同的理解。譬如給予 Ep. 4〈Mask〉兩位導演：陳安瑤、盧鎮業（小野）靈感的，就是音樂上的規律與重覆感，「我們覺得樂曲雖有一些細微變化，卻好像永不完結，於是想到了以便利店售貨員作為主角，透過這個每天重複差不多動作的職業，去表達這個概念。」
Ep. 5〈Burn All Flags〉的導演徐智彥和陳巧真，則從音樂中聯想到窒息、失意、爆發等關鍵詞，「創作上比想像中更困難，因為要思考如何呈現鼓手，而且是現場收音，最後想到整件事情是與震動有關，鼓手的敲擊觸發了其他震動，而這些聲音究竟如何影響一個人。」
這兩段恰巧都由兩名導演操刀，似乎更能彰顯這個 project 互相合作、打氣、鼓勵的理念，小野笑言這次幕前幕後有數十人，比他過往所有作品工作人員的總和還要多。觀眾更熟悉的可能是他幕前演員的身份（如早幾個月上映的《中英街 1 號》），其實他本來是拍紀錄片的，「所以很多時是看周圍環境給予我甚麼，然後作出回應，很多事情不是自己所能掌握。這次首度拍廠景，一切從無到有，感覺很不一樣。」小野說，接這個 project 也是想試一些過往很想試，但沒有能力試的東西。
陳安瑤讀 Fine Arts 出身，主修雕塑，她表示與小野合作是互補不足，對方更熟悉機位、角度與拍攝過程的事宜，她則提供顏色、空間與結構等美術方面的想法。她還找了一些朋友前來幫忙，來自各行各業，有的是教書，有的是 sales，都不是以拍攝為本行的；讀 creative media 出身的小野說，這雖和他過往的經驗很不同，卻為製作提供了另一條路徑，「令人明白到某些事情不一定是約定俗成那樣，我好想知道他們會以甚麼方法處理，我很期特這些事情發生。」
站在觀眾的角度，其實所有成品都很出色，很久沒有看過本地有那麼精彩的音樂錄像了，但兩對導演都異口同聲說，覺得可以做得更好。小野說本來期望作品能與傳統的音樂錄像更為不同，「只是慢慢也傾向了一些主流方法」，陳安瑤則說，看到其他作品的做法，令她覺得可以打破更多框框，或者，這也是互相「Pushing」之下的結果吧。
黃進表示，一般 music video 是影像去 serve 音樂，但這次影像和聲音的比重是很 balance，導演甚至可以要求「修改」音樂，譬如少打一個 bar、兩套鼓變一套鼓，「我們會有這方面的交流，影像與音樂要互相配合，所以 studio version 未必合用。」
於是，我們該明白，為何他們堅持要現場收音，「鼓手的肢體就等同歌曲的 beats，他的情緒、體力上的消耗，與歌曲是 synchronize 的，內裡有 drama，加上 tfvsjs 的歌技術上很有難度，鼓手一直把自己推向極限，當中是有 tension 的，鼓手就像一個角色，所以同時呈現他是很重要，空間、場景的配合也很重要，正如你拍戲也會想現場收音，道理是一樣。」
別以為 Anton 是一個表演者，而且只是做他最擅長的打鼓，就以為他很輕鬆。「我覺得好難！因為要有 showmanship（演出上的技巧），要思考如何表演，動作太大太細都不可以，要配合 timing，又要好睇、準確，加上拍攝連續十幾個鐘，體力上也是很大挑戰。」
萬眾期待，黃進執導的壓卷之作〈and paint our pupils with the ashes〉，就更能看到 Anton 要兼顧鼓擊之餘，還要有戲！「歌是很重機械性的 math rock，很硬，很 masculine，而且十分 technical，令人聯想到機械、工業與很強的歷史感。我把空間設定為一個戰爭的場景，表達某個時代背景之下，何以一個人會變成 war machine。」黃進找來舞台燈光師，DIY 了 30 條 LED 光條，並將 sensors 放在套鼓，擊鼓時會 trigger 到光條發亮，「我常常覺得懂音樂、懂打鼓的人是看到節奏的，就像有人會見到鬼，怎樣令見不到的人都見到呢？這一段就像把 drumming visualize，整個空間的光影會變，質地也隨之變化，我能不能令觀眾在視覺上記得那些 drum pattern，而不只是聽到呢？」
黃進常常提到「質地」這兩個字，他說音樂和畫面都有它們的質地。「音樂和畫面有很多形容詞可以互換、互通，譬如我想 visualize 很尖的聲音，會拍一些很『拮』的東西，sound wave 就是最原始的 visualization。音樂的節奏，就像影像上的剪接、鏡頭運動，視乎你能否找到那些感官上的互通，只要一打開了，就會發現樂手、做影像的人，追求的東西是很相似，只是呈現的方法不同罷了。」
Anton 也同意，認為音樂也好，影像也好，都是工具，「只是一個用耳聽，一個用眼看，基本都一樣」，而 Project Keep Pushing，就像是以兩種感官，雙倍刺激觀眾/聽眾，帶你進入一個前所未見的新領域。
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