【自由爵士音樂節】到達，再出發 專訪結他手崔展鴻

新一屆自由爵士音樂節月底就要舉行，辦到第四年，漸漸覺得，「自由」比「爵士」可能更為重要，才是音樂節真正的主題。作為一種音樂類型，爵士有其形式上的定義或標準，卻從來不是限制，什至都強調「自由」。於是，在爵士音樂節裡，於「框架」邊緣游走的音樂人也特別多，看似跨界，但想深一層，本來就無界。結他手崔展鴻大概亦是其中一位，他的背景比較貼近古典音樂，但近年亦有活躍於爵士樂圈，對於大眾樂迷而言，則可能更常在流行音樂、電影配樂的領域看到他的名字。這一屆自由爵士音樂節有他首個以個人為名義的大型演出，無論你是認識他（的音樂）已久，抑或才剛剛知道這個名字，都值得去關注一下。

「結他帶我去不同地方」

訪問開始，我就問崔展鴻怎麼形容自己在做什麼音樂，逼他劃界。他說不太懂得回答，思考了數秒後，解釋道：「我將音樂變成一樣東西，不太會分類型。但以學習階段來說是很清晰的，讀的就是古典音樂，第一樂器就是結他，也是我唯一的樂器，我不會太多其他樂器。」習時有界，心裡無界。

崔展鴻在美國波士頓的柏克萊音樂學院（Berklee College of Music）作曲系畢業，讀古典音樂，他說其後和不同類型的音樂沾上關係，也因為結他。「是這個樂器帶我去不同的地方。我的樂器在古典曲目上，選擇相對沒那麼豐富，尤其我是彈電結他，它帶給我的，反而是流行音樂、爵士音樂和搖滾音樂，我的訓練都圍繞這些音樂。」那麼，剛開始為什麼會接觸結他？崔展鴻答得簡單直接：「我也不知道是它選了我還是我選了它，就是被它吸引到，無法解釋，直覺就很喜歡。」

在美國唸音樂的時候，深愛結他的崔展鴻本來是選讀表演（performance）的，但一年後轉讀作曲，「學結他學到一個階段，你便會明白到，它從來沒有賦予獨特的聲線給學音樂的人，當有一刻我想表達一些內心深處想講的話時，就只有作曲可以引領我去這個方向，由那一刻開始，就想做創作。」

像崔展鴻這類創作型的結他手，香港不能說很多，畢竟這不是一個可以支持生活的職業；但不以「表演」作為主要方向，就要做更多的創作。他形容自己做音樂很「地下式」，如果要負擔做自己的音樂，就必須要做一些不同類型，「其他範疇」的東西。可喜的是，兩者都能平衡得到，「我遇到的都是很好的單位，就算是做商業的音樂，大部分都是我很喜歡的，仍算很健康，未去到『滑牙』。」

近年崔展鴻參與編曲的流行音樂，就包括 SoulJase 的〈安眠詩〉、謝安琪的〈靜夜歌〉等，陳健安的近作〈創作者的派對〉，中段的結他 solo 也是由他操刀。另外值得一提是，早兩年的《Guitar Calling》合輯裡，崔展鴻便選擇了以結他重玩王菀之的〈畫意〉，新編版本兩個聲部同時演奏，效果極佳，美到令人窒色。

2013 年的到達，持續的「再出發」

過往要聽崔展鴻的個人創作，可能只有現場，以及有限的網上渠道；事實上直到訪問當日，各大串流音樂平台其實也只有〈畫意〉一曲是掛了崔展鴻的名字。不過，大家讀到這篇專訪時，他的首張同名大碟已正式面世了，可以更直接去了解他的音樂美學，以及藉此想像一下他的現場演出會長成什麼模樣。

訪問之時仍未有機會聽到新碟，但也因此更令人好奇他的演出會是怎樣，就連崔展鴻自己也表示，不知怎麼跟樂迷解釋，「提起爵士音樂大家可能想起一些 Standards 或慣常被挑選的曲目，我也會做少部分，但佔多數是個人作品。」自由爵士音樂節的策劃人龔志成（阿龔）就提議，說不如這個演出就是他的「到達，以及新開始」。「我很同意，可是我又怎麼跟觀眾解釋，這些作品就是我到達的一個點，而現在我要離開了？」

訪問期間，崔展鴻多次說自己常鑽牛角尖，看似說得負面，但也可以說四方八面所發生的，都在刺激他思考。後來他想通了阿龔的這番話，「他其實是想講，不要再去想這個階段要玩些什麼。這麼一說，就沒有再執著這些作品要跟各種風格很掛鉤了。」這其實也是爵士風格、爵士精神，都講求創新，不要墨守成規，和崔展鴻的理念很一致。

他的新碟其實就是一次「到達」，雖然是 2022 年的出品，但原來 2013 年已經錄起，只是因種種難以說清楚的原因，推遲至今年發表。「在波士頓臨畢業前 book 了 studio，將那段時間整理好的東西用一晚時間錄起。」事隔九年，沒有想過修改一下嗎？「雖不敢說滿意，但又不是沒有信心，這些作品後來也有跟香港的音樂夥伴不斷翻玩，所以好重要。」他說作品即使已完成，但每次演出都要重新思考一次，並且總會多了理解，這就如剛才所說的「再出發」。「即使沒有演出，那些作品好似一直都在一個疏理中的狀態，因為創作對我來說，從來都不隨便。」

怎麼不隨便呢？音樂難言完美，但作為有要求的創作人，有些目標必須盡可能達到。「我的目標就是有種『個人』在入面，但『個人』是什麼意思呢？我要好有信心它能代表到我是真誠去寫這些音樂，會花時間去想會不會似某些我喜歡的音樂英雄，當中又有什麼是可行、什麼是不可行。當然它可能有點幼嫩，有好多沙石，畢竟都相隔九年了，但我覺得好值得拿出來給大家聽。」

創作要有「個人」的成份

講到欣賞的作曲家，他說有好多，可能每日都不同，但最後還是數出了幾個影響他較深的，包括了 Maurice Ravel、Dmitri Shostakovich 和巴哈（J.S. Bach）等，都很古典。「好透徹的去想就是這些 components，影響太深遠了。」

這些都是他的創作養份，但日常聆聽卻沒有什麼限制，什麼都會聽。「譬如我很喜歡勛伯格（Arnold Schönberg）和那個派系的音樂，但你問我是否經常聽呢？我真的不可以，花的精神可能大過返工。就算聽巴哈，如果靜靜地聽一次了解他的想法，氣力要好大，不輕鬆的，所以我常常說自己鑽太多牛角尖。我覺得那些音樂很有意思，未必等同是一種純粹的音樂享受，但我想要一些音樂養份時，就會找它們。」

崔展鴻說，怎樣才是「個人」是他持續在思考的課題，因為「講就容易」，但從不曾有很明確的答案或方向。「任何教育都好，老師只是提供工具，教你一些作曲技巧，但當去到創新，責任又落到我手上，這個我永遠覺得不能隨便。」

即使所參與的流行音樂、電影配樂創作，他都希望可以「雙贏」，做到有「個人」的成份。「他們找我總有原因，好彩是合作過的單位都給我很多空間，讓我留痕跡在設計內。就算有很多事情要配合，我也希望放到我的美學在裡面。」

不察覺要離開一些已有的東西時，就會停滯不前

近年湧現很多在外國讀音樂回流香港發展的音樂人，問他怎麼看現在香港的音樂圈子，是進步還是退步時，他答得肯定。「我覺得一定是進步。雖然我不是在這個行業好多年，但比起剛剛出來的又耐少少。在這班人的那個年紀時，我連他們一半的能力都沒有；已不必談其他了，這已是進步啦。」

「我的見解是，這無關香港抑或外國，講來講去都是創作。所有做創作的人，如果沒有察覺要離開一些已有的東西時，就會停滯不前。這是全世界都正在發生的，畢竟有什麼是未出現過的呢？音樂究竟怎樣才算是新？怎麼定義？」崔展鴻式思考又再出現：「我常強調什麼是個人、什麼是獨特、什麼是辨識度，我明知道講完也不過是過份思考，我也不覺得自己的作品有幾多新鮮的質地，但這些都是給自己的鞭策，創作需要時間，全世界而言都是困難的。」

他在自由爵士音樂節的演出，將會與本地爵士大師 Ted Lo 瓜分舞台，上半場屬於他，下半場就交由 Ted Lo 壓軸。他說大會如此安排既感到榮幸同時又有點緊張，但正面意義還是佔更多：「我常常跟人說，他是大師級到已不再在乎別人是否知道他厲害，而去到這個階段的人玩的東西才最好聽的，應有的經歷都經歷過了，再沒有任何證明自己的部分，這才是最爐火純清的一刻。我便常常提醒自己，他就是緊接出場的一個，想想他怎樣吧！想到不再需要證明自己時，空間又擴闊好多了。」

諗太多，然後放鬆，又諗更多，循環不斷。但崔展鴻追求的並不（只）是結果，他說未來最想保持做創作的那份力度：「我也不擔保將來會否『滑牙』，因為這樣也很累嘛，有時其實不用那麼複雜。但如果能繼續有創作的動力，不隨便，我已很滿意了。」不斷的到達，不斷的再出發，或者都是創作人該要達到的境界。